Декоративно прикладное искусство модерна

Декоративно прикладное искусство модерна

Широкая популяризация стиля модерн путем распространения реклам, разнообразных плакатов, этикеток, вывесок, иллюстрированных и модных журналов, а также массовое производство стекла, фарфора. Мебели, тканей, дамских украшений способствовало тому, что за короткий срок он приобрел небывалую популярность в самых широких слоях, «окрасив» собой повседневный быт и создав иллюзию приобщения к искусству у многих никогда доселе над этими вопросами не задумывавшихся людей.

Общепринятый «набор» декоративных мотивов и предметов прикладного искусства в интерьерах русского модерна роднил между собой скромные квартиры людей «среднего достатка» и жилые покои дворцов и богатых особняков, создавая иллюзию демократичности этого стиля. От таких элементов убранства, как мебель, драпировки, декоративные лампы, часы и барометры, до общепринятого набора репродукций модных художников в «текучих» резных рамах — на всем лежала неизгладимая печать стиля модерн, терпкий привкус, в чем-то роднивший между собой массовые ремесленные образцы и произведения подлинного искусства.

Характерной приметой стиля модерн стала его функциональность, то есть ориентированность на использование и применение в быту. Перед искусством ставилась задача создания прекрасной и удобной среды, в которой могла бы протекать повседневная жизнь каждого человека. «Искусство для всех» стремилось к применению экономичных материалов: стекла, бетона и металла.

Стилистика модерна наиболее отчетливо проявила себя в искусстве графики. Никогда еще не было такого количества рекламных плакатов, театральных афиш, книжных иллюстраций, созданных первоклассными художниками. А. де Тулуз-Лотрек (Франция), О. Бёрдсли (Великобритания), А.Муха (Чехия), художники «Мира искусства» (Россия) определили основные направления в развитии этого вида искусства. Французскому художнику и графику Анри де Тулуз-Лотреку (1864—1901) в полной мере удалось воссоздать атмосферу своего времени. Его рекламные плакаты и афиши запечатлели певцов и танцовщиц, акробатов и клоунов, посетителей маленьких ночных кабаре на улице Монмартр в Париже. Афиши для танцевального зала «Мулен-Руж» выделяются резкой и динамичной линией, неожиданными ракурсами силуэтов фигур, контрастностью ярких цветовых пятен, орнаментальностью поверхности. Он сумел создать свой особый выразительный язык, поднять рекламу до уровня высокого художественного творчества. Его огромное наследие (более пятисот картин, три тысячи рисунков, около четырехсот литографий) определило дальнейшие пути развития этого жанра.

На рубеже ХIХ—ХХ вв. был также совершен настоящий переворот в области декоративно-прикладного искусства и дизайна. В изготовлении ювелирных изделий, мебели, тканей, обоев, декоративного убранства интерьеров ощущались черты и признаки стиля модерн.

Эмиль Галле (1846—1904) — французский художник по стеклу, керамист, автор проектов мебели, один из основателей знаменитой школы декоративно-прикладного искусства в городе Нанси. девизом представителей этой школы стали слова: «Наши корни лежат на пороге лесов, во мху и у края пруда. Темы и сюжеты для произведений Галле черпал в мире природы. Вазы из многослойного стекла с резьбой, травлением, гравировкой и аппликацией современники образно называли «поэмами из стекла».

В последней четверти XIX в. мастера декоративно-при­кладного искусства начали поиск новых путей развития. Их не устраивало дальнейшее сосуществование, а порой и сме­шение стилей, снижение уровня массовой продукции. Поя­вилась потребность в создании единого стиля в производстве вещей, форма, декор и техническое исполнение которых со­ответствовали бы особенностям материала. Новый стиль — модерн — возник в Париже и Нанси, а затем распространил­ся по всей Европе. Характерно, что данное художественное направление в различных странах Европы носило разные на­звания. Так во Франции это был арт-нуво, в Германии — югендстиль, в Италии — либерти. Из многообразия факто­ров, характеризующих стиль модерн, следует отметить обра­щение мастеров к природным формам, воспроизведение текучих, волнистых линий растений, животных и их стилиза­цию. Модерн изобрел свой специфический колорит, напи­танный болотными, травянистыми оттенками буро-зеленого, коричневого, мутного, нечистого с примесью лилового, розо­вого. В нем могли проявляться и более сильные тона: багро­во-красный с контрастно-черным.

Орнамент. Модерн не смог породить достаточно четкой раппортной орнаментальной системы. Есть лишь некие харак­терные декоративные образования в виде асимметрично под­нимающихся и вяло опадающих масс, подчиненных общим ритмическим закономерностям. От предшествующего этапа историзма у модерна сохранилась стойкая приверженность ко «всеядности»: он перепробовал в своей стилистической кухне буквально все — от мотивов древнеегипетского искусства до изображения капли воды под увеличительным стеклом. Но

При этом и в самой истории художественной культуры модерн обнаружил свои пристрастия. Он классическое художествен­ное воплощение культуры декаданса. Сильное впечатление на европейцев произвела в середине века выставка японского ис­кусства, которая ознаменовала собой окончание двухсотлетней изоляции этой страны от внешнего мира. Искусство Японии основано на совершенно иных эстетических канонах: непри­ятии симметрии и раппорта, необычайной утонченности, эсте­тизме. Все это сыграло свою роль в формировании будущего стиля. Но наиболее существенной исторической составляю­щей модерна стала стилистика поздней готики. Именно в ней увидел образец для подражания основоположник западноевро­пейского модерна, английский художник, предприниматель и теоретик Уильям Моррис. Модерн со своей стилистикой бук­вально вырос из пламенеющей готики. Начиная с подража­ния, стилизаций, он породил и свою собственную стилистику. Готические композиции стали словно расплываться, деформи­роваться, превращаясь из математически выверенных когда-то структур в аморфные, вялые, словно растительные переплете­ния. Возникнув как некая антитеза индустриальному миру, это искусство смогло выразить только идею кризиса своего време­ни. Идея незаконченности, непредсказуемости результата до­водится до абсурда.

Модерн явился художественным выразителем завершаю­щего момента духовного падения европейской культуры. И тот рубеж, который он увековечил своим существованием, был рубеж между Новым и так называемым Новейшим вре­менем, во многом базирующийся уже на совершенно иных материальных и духовных основах.

Если в первый период своего существования стиль мо­дерн имел во многом как бы прикладной характер, часто про­сто украшая индустриальные поверхности архитектурных фа­садов или предметов быта, то постепенно ритмы, рожденные его стилистикой, начинают втягивать в свою орбиту и саму форму. Зрелый стиль модерн породил причудливые очерта­ния вещей различного назначения, вплоть до интерьеров и экстерьеров зданий. Рациональная, конструктивная основа оказалась глубоко спрятанной в толще массы, словно расте­кающейся, расплывающейся. Аморфные, асимметричные формы вторили ритмам декора. В наследство от готики мо­дерн получил интерес к цветному стеклу, к витражам. Посте­пенно их готическая яркость тускнеет, приобретая характер­ную для модерна гамму блеклых тонов, среди которых осо­бенно популярен лиловый цвет. Наиболее выразительной декоративной находкой стиля модерн следует считать его зна­менитый орнамент в виде резкой, петлеобразной кривой. Он ярко проявился в декоре кованых решеток, благодаря своей внешней выразительности и в то же время совершенной эле­ментарности решения. Эффектный силуэт этого орнамента был квинтэссенцией стиля модерн и стал его своеобразной визитной карточкой, как рокайль в стиле рококо.

Читайте также:  Как приготовить картофель дофине

Стекло. Крупнейшим мастером модерна, сыгравшим веду­щую роль в истории французского и мирового стеклоделия рубежа веков, был Э. Галле. С его именем связан техниче­ский прогресс в стекольном производстве: возрождение стек­лодувной техники XVI в., открытие забытых технических приемов изготовления филигранного и полихромного стекла, эмалевой росписи по стеклу, инкрустации, разработка новых форм. Он изобрел новую технологию камейного стекла. Он не срезал верхние слои стекла, а постепенно смывал их кис­точкой, смоченной в плавиковой кислоте, добиваясь таким образом мягких переходов тона и выразительных живопис­ных эффектов. В декоре Галле обращался, в основном, к рас­тительному миру, но иногда изображал животных. Он приме­нял золотую и серебряную фольгу, блестки слюды и асбесто­вые волокна, стремясь придать стеклу вид натуральных камней. Галле создавал как уникальные произведения, так и модели для серийного производства. Многие его модели по­служили образцами для других французских стеклоделов, в частности, для братьев Даум. Опираясь на технические разра­ботки Галле, братья Даум вносят в изготовление изделий из стекла элемент новаторства. В отличие от Галле, они стали делать цветным внутренний слой предметов.

Луис Комфорт Тиффани, американский художник по стеклу, продолжал работать в духе парижского криволиней­ного модерна. В 1880 г. он запатентовал свое «радужное» стекло (favrile glass — стекло с иризацией), техника производ­ства которого заключалась в обработке нагретого стекла пара­ми разных металлов и окислов. Только применяя эту технику, можно было передать мерцание крыльев стрекозы или радуж­ное оперение павлиньего хвоста; податливость стекла больше располагала к завиткам, кольцам и волнистым линиям, чем к вертикалям, квадратам и прямоугольникам.

Стиль ювелирных украшений Тиффани был основан на изысканном сочетании бриллиантов с платиной и белым зо­лотом. Коммерческое направление тоже не стояло на месте. Роскошные украшения должны были вызывать у окружаю­щих восхищение и уважение. Ювелиры откликнулись на это не только расширением старых фирм, таких как Картье и Фуке, но и появлением новых: Булгари, Каррера и Каррера.

Металл. Одним из самых замечательных мастеров этого времени был Рене Лалик. Он довел технику литья до совер­шенства, возродил витражную эмаль, широко использовал в своих произведениях переливчатые эмали живых горячих цветов. Важнейшей заслугой художника стало переосмысле­ние значения украшений для человека. Принципиальным был отказ от демонстрации благосостояния заказчика. Лалик создавал образы своего времени, подчеркивая и оттеняя ха­рактер и индивидуальность. Как ювелир он прославился уже в начале своей творческой деятельности. Им были созданы оригинальные гребни из рога, декорированные цветочным орнаментом из золота и других драгоценных материалов, брошь в виде женской головки с развевающимися волосами. Из природных мотивов Лалик отдавал предпочтение простым формам: ирисы, садовый вьюн, ландыш. Оригинальность ху­дожника проявилась в любви к полудрагоценным камням, к тому времени вышедшим из моды.

В японском стиле работал А. Веве. Художник-коллек- ционер, располагавший великолепными образцами приклад­ного искусства Японии, он создал подвеску «Сильфида» в виде женщины-бабочки, крылья которой переливаются дра­гоценными камнями. Это одно из наибюлее характерных юве­лирных произведений арт-нуво. Идиллической трактовкой экзотических растений и насекомых отличаются работы юве­лира Жоржа Фуке. Но настоящее признание Дому Фуке при­несло сотрудничество его главы с художником Альфонсом Мухой. Одним из шедевров этого сотрудничества стал брас­лет «Змейка», изготовленный для знаменитой актрисы Сары Бернар.

Возрождение понятия «мужественность» вдохнуло новые силы в декоративное искусство. Прежнее, изощренное, кри­волинейное арт-нуво превратилось в новое, прямолинейное арт-нуво. Новатором в этом направлении был Чарльз Ренни Макинтош (1868—1928). Основным источником его вдохно­вения была кельтская культура, и это увлечение оказало не­посредственное влияние на искусство арт-нуво в целом.

В начале 20-х годов западный мир все еще приходил в себя после Первой мировой войны. В то время большинство людей жаждало противоядия от ужаса и боли — развлечений, фривольности, легкомыслия. Тем не менее реакцией на безу­держное легкомыслие и декадентство стал строгий, напря­женный, бескомпромиссный стиль, который пережил войну, закалившись в ней. Кубизм, вырвавшийся за пределы кружка Пикассо и Брака, с 1911 г. пытался частично примирить ис­кусство с миром, который все ускорялся. В 1925 г. в Париже состоялась Международная выставка декоративного искусст­ва, давшая новому стилю арт-деко его название. Стиль арт-деко был взращен в недрах кубизма. Это был кубизм, одомашненный для массового потребления. Если кубизм придал арт-деко его характерные формы, то русский балет дал ему цвета. Русский балет внес новые, шокирующие цвета: ослепительно-оранжевый, изумрудный и желтовато-зеленый. Модные декоративные мотивы 20-х годов — ключ, из которо­го обильно и бесполезно струится вода; беспечные лани, газе­ли и антилопы, самки оленей с оленятами, борзые собаки.

Читайте также:  Как принимать настойку боярышника на водке

Термин «арт-деко» обозначает стиль, сочетающий в себе классичность, симметричность и прямолинейность. Как ху­дожественное течение он оформился в 1908—1912 гг. и достиг расцвета между 1925 и 1935 гг. Арт-деко был также известен как «джазовый модерн», «зигзаг модерн» и «обтекаемый мо­дерн» — последний термин относится к формам, базировав­шимся на обтекаемых силуэтах автомобилей, кораблей и са­молетов.

Одним из ярких художественных направлений начала XX в. можно назвать стиль супрематизм. Известная француз­ская художница русского происхождения, ученица К. Мале­вича, Н. Ходасевич-Леже в 20-е годы создала эскизы, многие из которых послужили образцами для серии ювелирных изде­лий, выполненных в 1970 г. мастером Д’Астре. Сочетания до­веденных до схемы форм — круга, прямоугольника, треуголь­ника, соединенных под разными углами, создают в предметах пластическую напряженность.

Арт-деко не избежал влияния еще одного замечательного явления в развивающемся искусстве Запада начала XX в. — абстракционизма. Новации абстракционизма связывают, в основном, с заслугами русского художника Василия Кандин­ского. Выражение быстроты движения с помощью скорост­ных линий и повторяющихся форм стало одним из любимых мотивов арт-деко.

К 1920-м годам относится возрождение шпалерного ис­кусства Франции. Мастера отошли от практики XIX в., когда высшим достижением считались копирование живописных полотен, передача эффекта перспективы, наличие большого числа оттенков различных цветов. Художники XX в. основ­ные пути обновления шпалерного ткачества видели в отказе от копирования сюжетов и приемов живописи, в поиске ут­раченного своеобразия и подлинной декоративности, необхо­димых для стенных ковров. Это направление в 30-е годы было поддержано и развито художником и картоньером Ж. Люрса.

Лак. Популярным материалом в эпоху арт-деко был лак. Жан Дюнан, дизайнер новомодной мебели, стал одним из ве­дущих специалистов по лаку среди мастеров арт-деко. От рас­тительных орнаментов он перешел к геометрическим узорам и далее к панелям, разрисованным всеми видами сюжетов и стилей, от африканских и восточных мотивов до абстракции. Популярным дополнением его работ стала техника инкруста­ции толченой яичной скорлупой.

Стекло и керамика. Период возрождения и нововведений переживают стекло и керамика. Геометрические композиции позволили сформировать новый взгляд на керамику. Однако специфика керамики не позволила, в отличие от других мате­риалов, усиливать геометричность изделий. Новых техноло­гических вершин в своей работе достигли стеклодувы. Такой податливый материал, как стекло, само по себе ставшее од­ним из символов модернизма, допускал применение любых технологий, будь то травление, покрытие эмалью, пескост­руйная обработка, штамповка или гравировка, одинаково пригодных для достижения одновременно скульптурного эф­фекта и поверхностного декорирования. До матовой полу­прозрачности стекло доводили с помощью алебастра. Метал­лические детали изготавливали из блестящего металла; хром, алюминий и сталь заменили классическую бронзу. Например,

Рене Лалик использовал литое, протравленное кислотой стек­ло с высокими рельефными спиралями. Кроме прочего, стек­ло использовалось в качестве архитектурного материала, ему же отдавалось предпочтение в процессе развития производст­ва современной мебели и осветительных приборов.

К середине 20-х годов французы стали признанными лиде­рами в сфере декоративных искусств. Их произведения отли­чали тонкий вкус, пропорциональность и мастерская отделка, а цветовая гамма, утонченная роскошь и легкая фривольность делали их необычайно привлекательными. Неповторимый об­лик мебели арт-деко придавали редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево, пальмовое дерево, бразильская джа- каранда, палисандр, а также контрастные сочетания традици­онных шпонов. В число других популярных материалов входи­ли лак, шагрень (кожа пятнистой собаки), акулья кожа, шкура пони, слоновая кость и сварное железо.

После Парижской выставки 1925 г. американские универ­сальные магазины, такие как «Мейсиз» и «Лорд и Тейлор», за­горелись идеей формирования спроса на современную мебель путем организации публичных экспозиций. Подобные шоу по­могли популяризации новых форм, в результате чего в 1930-х и 1940-х гг. Соединенные Штаты охватила мода на модерн в стиле арт-деко. Обтекаемые силуэты новой мебели, выглядев­шие так, словно были изготовлены машинами, пользовались огромной популярностью. Распространению обтекаемого сти­ля способствовало использование подобной мебели при съем­ках голливудских фильмов. Стильность мебели достигалась пу­тем покрытия обычных, массивных прямоугольных форм свет­лым шпоном красного дерева и бежевым лаком или созданием обтекаемых форм и силуэтов из гнутой фанеры. Ручки изго­тавливали из бронзы или просто заменяли их углублениями для пальцев. Популярны были сочетания черного и светлого лака. А жизнь в новых домах-небоскребах предполагала в це­лях экономии места использование многофункциональной ме­бели. Промышленная мебель Марселя Бройера из хромиро­ванных стальных трубок не противоречила принципам арт- деко. К 1929 г. уже несколько фирм занимались выпуском продукции из стальных трубок. Прочность стали позволила создать изделия из непрерывно изгибающихся сегментов и сделать революционный шаг в мебельном дизайне.

Ювелирное дело. В драгоценных украшениях этого времени использовались бриллианты. С ними работали ювелиры фир­мы Картье. Но в произведениях таких художников, как Жан Фуке и Раймон Тамплие, благородность материалов не имела принципиального значения. Наряду с золотом и цветными по­лудрагоценными камнями они использовали сталь, серебро, кость, дерево, эбонит и т. п. Более того, можно сказать, что в их произведениях доминирует четкая графика форм, контраст белого и черного, холодного и горячего, протяженного и замк­нутого — составляющие образа эпохи механизации мира. 13 изделиях коммерческого направления все чаще появляются фи гурки животных. К таким вещам относится знаменитая «Пантера» Картье, которая в течение нескольких лет остава­лась брэндом фирмы. Но порой такие изделия имели довольно вычурные формы. Выставка 1937 г. показала, что накануне но­вой войны наметился определенный возврат к мягким изогну­тым линиям. Все же главным принципом оставались строгость форм и гармоничность пропорций.

Читайте также:  Вечнозеленое хвойное дерево 4 буквы

Декоративное искусство 30-х годов стало более идейно направленным, чтобы соответствовать новому настроению общества. Это настроение было обусловлено банковским кризисом 1929 г. В 30-е годы доминировали такие орнамен­тальные мотивы: зигзаги молний, стилизованные прически в неоклассическом стиле, солнечные лучи, эмблемы, появив­шиеся почти на всем, от коробочек с патефонными иголками до калиток пригородных садиков. Этот мотив стал символом «зари новой жизни», а также ассоциировался с богатыми пу­тешественниками 1930-х г.

Новые художественные течения, сложившиеся на заре XX в., — модерн и декоративное продолжение этого стиля арт-деко — стали результатом своего времени. Время новых открытий, технологий и сложения дизайна повлияли как на некоторую усложненность арт-нуво, так и на символизм и «роскошную» простоту арт-деко. В свою же очередь эти худо­жественные течения сформировали многообразные стили в прикладном искусстве в последующее время.

Не нашли то, что искали? Воспользуйтесь поиском:

В русском модерне, особенно в зодчестве и в прикладных видах творчества, можно различить несколько течений. Первое из них непосредственно связано с творчеством Абрамцевского кружка, которое во многом подготовило переход к стилевым принципам модерна, но само ими еще не обладало. Второе направление во многом опиралось на приемы стилизации, выработанные амбрамцевскими художниками. Но его важная особенность – сочетание этих приемов с объемно-пространственными, живописно-пластическими и линейно-графическими поисками общеевропейского Art Nouveau. Подчеркнутым гипертрофированием национальных форм древнерусского зодчества и произведений народного искусства авторы обращались и к историческому наследию русских мастеров и к современному «духу эпохи».

В архитектуре в основном это течение оказалось ведущим и определяющим.

Но были и случаи, когда модерн в России выражал явное влияние западноевропейских художественных школ.

Возникает проблема, касающаяся сущности стиля модерн, — проблема его зарождения. Нередко истоки модерна в России связывают с идеями и воздействием западноевропейских школ модерна (что, безусловно имело место), но существует и другая точка зрения, по которой стилевые признаки будущего «нового стиля» возникли в творчестве отдельных русских мастеров стихийно, почти неосознанно, не следуя уже готовой эстетической концепции, а наоборот, создавая на практике закономерности «нового стиля». Истина, как это обычно и бывает, находится где-то посредине. Как и любая европейская художественная школа, русская школа шла к модерну собственным (иногда явным, иногда более скрытным) путем. Существует типологическое сходство между отдельными художественными школами, что во многом способствовало формированию тех межнациональных особенностей, которые впоследствии позволили именовать модерн международным, «космополитическим» стилем. Но формирование этих общностей модерна в каждой художественной школе опиралось первоначально на собственный опыт национального искусства.

Модерн в декоративно-прикладном искусстве.

Широкая популяризация стиля модерн путем распространения реклам, разнообразных плакатов, этикеток, вывесок, иллюстрированных и модных журналов, а также массовое производство стекла, фарфора. Мебели, тканей, дамских украшений способствовало тому, что за короткий срок он приобрел небывалую популярность в самых широких слоях, «окрасив» собой повседневный быт и создав иллюзию приобщения к искусству у многих никогда доселе над этими вопросами не задумывавшихся людей.

Общепринятый «набор» декоративных мотивов и предметов прикладного искусства в интерьерах русского модерна роднил между собой скромные квартиры людей «среднего достатка» и жилые покои дворцов и богатых особняков, создавая иллюзию демократичности этого стиля. От таких элементов убранства, как мебель, драпировки, декоративные лампы, часы и барометры, до общепринятого набора репродукций модных художников в «текучих» резных рамах – на всем лежала неизгладимая печать стиля модерн, терпкий привкус ,в чем-то роднивший между собой массовые ремесленные образцы и произведения подлинного искусства.

Именно расчет на быт, повседневность – причина того, что сохранилось не так уж много «музейных », законченных образцов этого стиля в декоративно-прикладном искусстве. Ему была присуща новизна и смелость в использовании разнообразных материалов и неожиданность их трактовки. Эксперименты со стеклом, теряющим прозрачность и хрупкость, приобретающим видимую тягучесть, вязкость, упругость, поиски выразительных сочетаний формы, линий и цвета в фарфоре и керамике, широкое введение кованой меди, смальты, майолики, эмали в отделку люстр и часов, мебели и каминов, посуды и женских украшений, изощренные силуэты дамских нарядов, словно повторяющих текучие контуры драпировок и их орнаментику, — все это придавало совершенно особый характер интерьерам модерна. Стремление к «культуре деталей» от монументальных витражей до тончайших изделий ювелирного искусства, придавало стилевую цельность жизненной среде эпохи модерна, которую нельзя спутать ни с какой другой.

Стремление к стилевой цельности, к неразрывности архитектуры интерьера и его наполнения привело к выбору такого вида встроенной мебели, которая как бы вырастала из облицованных деревянными панелями стен, подчеркивая их пластику и сообщая пространству ту цельность, которая была одной из примет модерна. Не случайно образцы мебели проектировали не только архитекторами, создававшими эскизы интерьеров, но и художниками, начиная с Поленовой и Васнецова, Коровина и Головина и кончая Бенуа и Лансере, задававшими этой сфере прикладного искусства тот высокий художественный строй, который отличал выставочные экспозиционные образцы.

Более широко распространенными были изделия фабрики Ф. Мельцера, где орнаментальные мотивы «чистого» модерна с их криволинейными очертаниями трансформировались в рисунке спинок кресел, контуров стульев, столов, диванов. По мере массового распространения, упрощенные типичные для модерна формы мебели и надолго определили характер бытовых интерьеров дешевых квартир, надолго пережив свою эпоху.

Ссылка на основную публикацию
Грибы песочники на зиму рецепты приготовления
Песочники – это широко распространенные в наших лесах пластинчатые грибы рода Рядовка семейства Рядовковые (Трихоломовые). Они также известны под названиями...
Голубь залетел на балкон к чему это
Голуби — привычные для всех птицы. Их легко можно встретить повсюду, накормить хлебом или просто полюбоваться ими. Но чего ждать,...
Голубь пролетел над головой примета
Приметы и суеверия про голубей могут быть как хорошими, так и плохими. Чтобы правильно их толковать, нужно знать, какую символику...
Грибы поздней осени съедобные
Первые серьезные осенние заморозки, как правило, отбивают у грибников охоту ходить в лес с корзинкой. Сезон закрыт! Однако если за...
Adblock detector